Un PARSUNA es un tipo de retrato que se realizó en Rusia durante el siglo XVI y se considera una transición de la pintura de iconos tradicionales a otro tipo de pintura mas occidentalizada y realista conocida como retrato. También se debió posiblemente a la caída de los iconos tradicionales, de forma que la nueva aparición de estilo fue admitida rápidamente.
La palabra parsuna se deriva de la palabra latina persona y se aplica por la relación que tiene con el retrato de personas.
Unas de las parsunas que primero ven la luz son las correspondiente a Ivan el Terrible y el príncipe Mikhail Vasilievich.
Ivan el Terrible
Mikhail Vasiliev
Generalmente son pintadas en tablas de madera en lugar de la tela y se pasa de los temas religiosos al retrato, el énfasis no está en el carácter del retratado sino más bien en el lugar o rango que ocupaba en la sociedad.
De un carácter
bidimensional se aprecia que tienen un naturalismo sin reglas.
Gran parte de los grandes maestros tienen obras donde además de pintarse así mismos tratan de plasmar esos momentos de creatividad que vivieron, además normalmente sitúan la escena en sus propios estudios y en pleno trabajo con la paleta y pincel.
La verdad es que si no se hubiera producido éste interés en los pintores, hoy no conoceríamos muchos detalles de su tarea diaria. He leído en un libro sobre Rembrant que a través de este tipo de cuadros podían certificar que tipo de paleta usaba, se pueden observar muchos detalles en las obras que a los especialistas les ha servido de referencia en multitud de ocasiones.
¿ Se pintaban así mismos por vanidad ?, ¿ porque eran famosos en sus tiempos ?, ¿ porque conocían que iban a pasar a la posterioridad ? o quizás tal vez por divulgar en detalle gráfico su trabajo como pintor.
Muchos tenían costumbre de escribir sus apuntes y sus notas, Leonardo da Vinci nos dejó todo un Tratado de pintura y si no a través de segundas personas y sus documentos, se han podido centrar determinadas informaciones. Otros sin embargo no eran muy amigos de escribir y tampoco de guardar documentación al respecto, pero sus cuadros nos han facilitado aquello no guardaron.
Tenemos que tener en cuenta como todos sabemos, que la fotografía en esas épocas no existía y por tanto para todo lo relacionado con la imagen se centraba en la pintura, era el medio definitivo de divulgación, aunque pintores contemporáneos con la fotografía y demás medios a su alcance han seguido con la tradición a lo mejor han pensado que si lo habían hecho sus colegas anteriores en el tiempo, porque no lo podían hacer ellos.
Jean Batiste-Camille Carot " Retrato del artista"
Rembrant "El pintor en su estudio"
"Monet trabajando en su barco taller"
"Goya delante del Caballete"
Vermeer " El arte de la pintura"
Dalí "El espejo"
Monet " Renoir pintando en su jardin"
Creo que como no podemos estar dentro de las personas para saber lo que piensan, ( hasta ahora no hemos llegado tan lejos ) todo son adivinanzas , acertijos y lucubraciones vete a saber los motivos verdaderos del porqué pintaron éste tipo de cuadros, por tanto nos quedaremos con los muchos detalles que se aprecian en ellos.
Hablamos del cuadro mas importante del pintor Diego Velázquez y posiblemente de la pintura española, realizada en óleo sobre tela con unas dimensiones de 310 cm x 276 cm y que actualmente se expone en el Museo del Prado de Madrid.
Naturalmente no se pretende dar una explicación magistral de este cuadro que es el que mas veces ha sido analizado y estudiado por personas especialistas en el mundo del arte, es más hay muchos libros y escritos, muy buenos y muy amplios que hablan al detalle de lo que representa, porque se pintó, que perpectivas tiene, colores, luces, etc. etc. todo muy técnico y en profundidad . Lo que haremos en BUZON DE PINTURA es analizarlo de una forma sencilla y sin pretensiones, la única intención es que cuando se mire sepamos mínimamente quien son los personajes, que papel tenían en ese momento y conocer unos mínimos de su historia técnica, para poder disfrutarlo mucho mejor aunque la verdad es que al ser una obra maestra se disfruta solo con mirarla.
Diremos que se pintó en el año 1656, que en los inventarios del Real Alcázar de Madrid figuraba con el titulo de " El Cuadro de la Familia Real " y que más tarde en 1843 concretamente el Prado lo cataloga como " Las Meninas " la palabra meninas es de origen portugués y significa " paje " en femenino. Otros títulos que aparecen en los inventarios son: " La Sra. emperatriz Infanta de España con sus damas y criados y una enana donde se retrató el pintor así mismo pintando " y " La infanta María Teresa " además se tasa la obra en 25.000 doblones.
Velázquez sitúa la escena en un lugar preciso del Alcázar, concretamente en la galería del apartamento del príncipe Baltasar Carlos situada en la planta baja, que tras la muerte del príncipe la sala pasa a ser el taller del pintor debido principalmente a la cercanía con las dependencias del rey, que ya estaba muy mayor. Podemos ver también que en las paredes de la estancia cuelgan grandes telas que son copias de originales de Rubens y Jordaens, pintadas por su yerno Juan Bautista del Mazo.
El cuadro se estructura de forma que la parte superior domina el espacio vacío con lo que consigue dar la atmósfera de la estancia y un espacio virtual que es hacia donde mira el pintor, que se supone es el sitio donde están los reyes o el espectador. Importante igualmente es el punto de fuga del fondo que lo hace muy luminoso junto con el pequeño espejo que refleja a los reyes, completa la estructura con las luces doradas que tiene el primer plano en las figuras de la infanta, las meninas, la enana y el perro, con todo ello logra crear la realidad tan acusada del cuadro.
La exquisita calidad técnica de Velázquez la aplica en su obra con el tratamiento de la textura fina y las pinceladas compacta de forma que a pesar del paso de los años no se aprecien craquelados en todo el cuadro. Las medidas originales del cuadro se modificaron ligeramente en una primera restauración en la que el cuadro se volvió a entelar.
María Agustina Sarmiento
El maestro nos presenta a unce personas todas ellas documentadas menos una, la protagonista de la escena la infanta Margarita una niña de cinco años con cabellos rubios muy bellos que ha heredado del padre el rey Felipe V.
Infanta Marga
Junto a su lado las meninas María Agustina Sarmiento
Isabel de Velasco
e Isabel de Velasco.
En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles en la mano y ante un lienzo enorme del que podemos ver el bastidor.
Velázquez
Los enanos
En la derecha se sitúan los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, vestidos con ricos trajes, posible-
mente ropas viejas de la infanta, se observa que Nicolasito con el pié se encuentra molestando a un perro de compañía que puede ser un mastín del Pirineo.
Detrás Dña.Marcela Ullo y el guardadamas
Detrás de la infanta están dos personajes de su corte Doña Marcela Ulloa y un desconocido guardadamas.
Reflejados en el espejo están el Rey FelipeIV y la reina Mariana de Austria espectadores y protagonistas de la obra.
Los reyes reflejados en el espejo
La escena la cierra la figura del aposentador José Nieto
José Nieto
Completa la escena el misterio aparece al no saber que es lo que está pintando Velázquez puesto que no se ve, algunos analistas suponen que esta situación los lleva a pensar que está trabajando en un retrato del Rey y de su esposa a gran formato por eso define muy bien el reflejo en el espejo.
Otra apreciación importante es que el maestro pinta su autorretrato con la Cruz de la Orden de Santiago en su pecho, honor que consiguió en 1659.
Cuando ésta obra se encontraba en el Prado expuesta en un cuarto independiente iluminado con una atmósfera adecuada y enfrente de un espejo en ángulo apropiado parecía que la escena cobraba vida, extraordinario.
Hoy no se como la tendrán expuesta pues hace tiempo que no visito el Prado, aunque mi intención es acudir próximamente a la exposición de Renoir, ya os contaré.
Pintor simbolista de escenas encantadoras preciosistas, que realiza su obra de una manera muy personal, con un carácter en toda ella muy sensual y erótico tratado se forma elegante y de buen gusto.
Nace en Baumgarten cerca de Viena el 14 de julio de 1862, a los catorce años recibió una beca para estudiar en la Escuela de Arte y Oficios de Viena estaría formándose como pintor y decorador de interiores hasta 1883, después estudió una educación clásica y académica dado que admiraba mucho al pintor de aquellos momentos Hans Makar. Trabajó con su hermano y un amigo sin embargo no empezó su carrera individual hasta que como pintor de interiores se dedica a edificios públicos, es aquí donde desarrolla temas alegóricos que le marcarían en el rasgo distintivo de su obra.
Recibe la medalla del Orden de Oro al Mérito por su trabajo en los murales de Burgtheater de Viena el teatro más importante de la ciudad, miembro honorario de las universidades de Munich y Viena con lo cual empezaba su reconocimiento.
Llega su etapa dorada marcada por el gran éxito comercial que alcanzó, empieza a utilizar el pan de oro en sus obras aunque no era nada nuevo para Klimt porque con anterioridad ya había utilizado este material en su primera versión de Judith en 1901. Sigue trabajando en la decoración de interiores aunque paralelamente realiza retratos de damas de la alta sociedad vienesa normalmente envueltas en pieles.
La obra de Klimt se ha caracterizado por las suntuosas decoraciones que aplicaba a sus cuadros, basados en dorados y elementos de vivos colores y siempre dotados de un carácter sexual inconfundible con la mujer como principal protagonista. Mucho carácter innovador lo que aplicó sin embargo no era muy amigo de escribir o reseñar en lo que se basaba su arte ó cual eran sus directrices de hecho no tenia tan siquiera un diario personal.
Falleció el 6 de febrero de 1918 cuando tenía 55 años en Viena, dejando muchas obras inacabadas desde entonces su ya reconocida fama aumenta a nivel mundial y por tanto la venta de sus cuadros hoy alcanzan cifras elevadas.
En 2003 Paisaje de Attersse vendido en 29 millones dólares. En 2006 Primer retrato de Adele Bloch-Bauer nedido en 135 millones de dólares. En 2008 el segundo retrato de Adele Bloch-Bauer se convierte en la 3ª obra más cara de la historia. El Manzano alcanza los 33 millones de dólares. El Bosque de abedules por más de 40 millones de dólares. Las Casas en Unteracha en el lago Atter por otros 31 millones de dólares.
En definitiva cinco de sus obras forman un total de 327 millones de dólares.
La vida de Gustav Klimt ha sido motivo de inspiración también para el cine, el director Raoul Ruiz dirigió una película que se estrenó en el 2007 titulada KLIMT, hace el papel del pintor John Malkovich es interesante verla pues trata de diferentes capítulos de su vida.
