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domingo, 26 de junio de 2011

LUCAS CRANACH EL VIEJO


Autorretrato - 1550 ( Tenía 77 años )

         Artista alemán que fue pintor y diseñador de grabados en xilografía,  LUCAS CRANACH EL VIEJO nació en Kronach en el año 1472 y abandonó la vida en Weimar un 16 de octubre de 1553, por tanto vivió 81 años.

         Tenemos que reseñar que fue el padre del también pintor Lucas Cranach el Joven, bueno centrado un poco el personaje pues no se dispone de mucha información de donde y como se formó a nivel pictórico, tenemos que ir a las investigaciones obtenidas a través de su obra.

         Los primeros trabajos de Lucas Cranach están datados en 1504 además de que en esa época también realizó trabajos de decoración de interiores, pinturas de altar, diseños para grabados en madera, hay algunos datos de que mantuvo un empleo fijo de decorador de forma que realizó trabajos en los palacios de Coburgo y Hans Burgkmair.

        Ya en 1508 realiza retratos de el Duque y su hermano Juan en diversas ocasiones, hay que comentar que en ese tiempo competía con sus colegas contemporáneos como Alberto Durero que es un pintor muy conocido, con lo cual Lucas estaba ya a esos altos niveles.  Así fue como cogió fama y reconocimiento de forma que en 1509 viajó a Holanda para ponerse al servicio del Emperador Maximiliano I  y Carlos V.

         Se ha detectado igualmente que solo a partir de ese año empezó a firmar sus obras, su especialidad fue principalmente los retratos, obras elogiosas de mediano tamaño para domicilios y los temas mitológicos que le permitían justificar los desnudos femeninos, dándoles la apariencia de aspecto juvenil, esterilizado y con ojos almendrados, además de pechos menudos y piernas alargadas; en definitiva su visión particular del desnudo femenino.

         Terminaría creando un taller propio donde la actividad pictórica era muy grande realizándose muchos trabajos de mitología, la mayoría con modelos fijos con ligeras modificaciones e incluyendo en cada pintura a modo de firma del taller una serpiente alada.

        Lucas Cranach fue un pintor muy prolifero que siempre mantuvo la calidad en todas sus obras, que consistía en trabajos con una ejecución muy esmerada a base de muchas capas de pintura aplicadas en finas veladuras.


        
La ninfa de la fuente- ( Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid )
Martin Lutero - 1529 - Galería los Ufifizi )
Venus - 1532
Frontal del Retablo en la Iglesia de San Wolfgang

Philipp Melanchthon
Johannes Cuspinian - 1503
Princesa
Judith con la cabeza de Holofernes
Adan y Eva - 1531 
Adan y Eva-1538
Cristo - 1510
El místico casamiento con Santa Catherine - 1516



jueves, 23 de junio de 2011

GUSTAVE CAILLEBOTTE


Autorretrato- 1892
      GUSTAVE CAILLEBOTTE era un pintor francés nacido en Paris el 19 de Agosto de 1848 y falleció el 21 de febrero de 1894 en Gennevilliers por tanto dejo esta vida  ala edad de 45 años.

      Este hombre no solamente fue pintor ademas ejerció como coleccionista, organizador de exposiciones y mecenas, todo esto se lo permitía porque su familia era de la clase alta parisina, posteriormente cuando sus progenitores fallecieron la herencia familiar que era una fortuna importante, se la dividieron Caillebotte y sus dos hermanos, con lo cual no tendría problemas económicos para ejercer de las cosas que antes comenté.

     Estudió dos carreras una de derecho y otra de ingeniero y después de que terminara sus estudios lo reclutaron en el ejercito donde participaría en la Guerra Franco-Prusiana, después de la guerra empezaría su formación artística ingresando en el taller del pintor académico León Bonnat y con el tiempo de asistencia fue desarrollando su estilo, estableciendo su propio taller.

      En 1873 aprobó el examen de admisiones en la Escuela de Bellas Artes aunque no permanecería mucho tiempo, pues le ocurriría la desgracia de perder a sus padres como ya he comentado y eso le permitió dedicarse de pleno a la pintura.

     Contactó con pintores un poco apartados de la academia francesa como Edgar Degas y Giuseppe de Nittis y empezó a acudir a las exposiciones de los impresionistas llamados de varias maneras como " Independientes", " Intransigentes " etc.,  Caillebotte arrancó con su pintura participando en la segunda exposición de Impresionistas en 1876, incluyó ocho pinturas entre ellas una de las que después se haría muy famosa como " Los acuchilladores de parqué " hoy expuesta en el Museo de Orsay de París..


Los acuchilladores de parqué - 1875
      Caillebotte pinto muchas escenas domesticas y familiares, retratos e interiores, es más en gran parte de sus pinturas están retratados los miembros de su familia como  " Los naranjos " donde aparece su hermano Martial y si prima Zöe en el jardín de la propiedad de Yerres y " Retratos en el campo " en la que es retratada su madre junto a su tía, una prima y una amiga de la familia.


Los naranjos
Retratos en el campo - 1876

          Posteriormente sería muy conocido por todas las obras que pintó del París urbano, una de las mas conocidas es " La plaza de Europa en un día lluvioso ", en éste cuadro ademas de la perspectiva que le favorece pinta con unos colores planos y con efecto foto que le da un carácter distinta con un aire moderno para la época, su estiló varió bastante dependiendo de cada obra, unas veces se podían considerar impresionistas y otras que estaban fuera de los cauces académicos, lo demuestra las profundas perspectivas que aplicada.


La plaza de Europa en un día lluvioso - 1877

         Fué un autentico mecenas para sus amigos como Paul Cezánne, Eddgar Degas, Edouard Manet etc. comprándoles cuadros y participando en la organización que tenían los impresionistas.

El hombre en el balcón - 1880
Richard Gallo y su perro - 1884
Joven hombre al piano
La parte del barco
Pescador al borde del Yerres
El camino solamente

            

lunes, 20 de junio de 2011

CAMPO DE TRIGO CON CUERVOS - Vincent van Gogh


          Vincent van Gogh era un pintor que nunca escondía su escasa preparación técnica, entendamos éste comentario bajo la perspectiva de si se le analiza académicamente, sin embargo si se analiza su obra como parte de sus pensamientos y de sus impulsos creativos, la cosa cambia significativamente por los resultados que obtuvo.

          Mi opinión es que a los no expertos les encanta van Gogh porque en sus cuadros refleja un colorido soberbio que era motivado a que normalmente no mezclaba pintura en la paleta los aplicaba puros, de forma que cada pincelada suya era un trazo decisivo y ademas tenia el don de combinarlos perfectamente, ademas creaba las formas de una manera que en el conjunto del cuadro son todas perfectamente identificables.

          En esta ocasión interpretaremos uno de sus cuadros que probablemente sea su última obra y la más dramática del pintor, porque poco después se quitaría la vida de un disparo de revolver en la linde de éste mismo campo ¿ casualidades ? no se sabe.


CAMPO DE TRIGO CON CUERVOS -1890



















         Van Gogh que pintaba frenéticamente como podemos observar en el cuadro del paisaje, la naturaleza la plasma agitada, deformada, llena de presagios, como los fúnebres cuervos negros esbozados con pocas pinceladas.


         Aqui se puede constatar lo que comentaba de los colores combinados, el amarillo eléctrico del trigo contrasta perfectamente con el marrón del terreno y el azul oscuro del cielo, da la sensación que todos combaten entre sí y que todo el conjunto se agudiza mucho más por la violencia de los trazos, también ayuda el que se sale de la armonía clásica que se suele utilizar cuando de paisajes se trata.


   






      En la esquina inferior izquierda se aprecia sobre todo hacia los bordes, que las pinceladas que dió eran como cuchilladas sobre la tela, parece que está en conflicto con la realidad de la Naturaleza que está viendo.






        En la vista general el campo de trigo no tiene la apariencia de que le esté dando el sol, el triste aleteo de los cuervos  y las pinceladas rabiosas y descompuestas, acentúan los tonos oscuros y les da un aire de dramátismo al conjunto.




      Aqui Van Gogh como hablamos anteriormente demuestra que en cuestiones académicas va a su aire, lo demuestra con la brusca perspectiva que aplica al camino que atraviesa los campos, aquí no aplica ni la mas elemental  representación en profundidad y se centra en la intensidad que quiere dar al motivo saltándose la norma.


     
      La imagen de los tétricos cuervos alejándose hacia el final parece que se confunden con el color del fondo, de ésta manera representan la funesta escena de un destino, por desgracia.



      En la parte inferior derecha se aprecian pinceladas igualmente separadas y superpuestas de forma que se pueden contar. Es un recurso que se utilizará mucho entre los impresionistas.




         Tenemos que resaltar que Vincent van Gogh cuando pintaba sus cuadros de paisajes normalmente no partía de un dibujo o de un proyecto previo, si no que trabajaba directo con la naturaleza y dependía mucho el resultado final de su estado de ánimo, que pintara de una manera u otra.

domingo, 19 de junio de 2011

MARIANO FORTUNY


Autorretrato - 1858

        MARIANO JOSÉ MARÍA BERNARDO FORTUNY Y MARSAL fue un pintor español considerado uno de los mejores pintores españoles mas importante del siglo XIX después del archiconocido Goya.

        Nace en Reus el 11 de junio de 1838 y su vida se apagó un 21 de noviembre de 1874 en Roma a sea a la edad de 36 años y hay que destacar que su abuelo fue su tutor y su mejor valedor desde el principio y en su edad temprana.

         Empezó su formación artística con el pintor Doménec Soberano, trabajó igualmente con un orfebre, que de alguna manera le influyó en trabajar con bastante minuciosidad cosa que caracterizará posteriormente su pintura.

         Con su abuelo como ya he comentado, en 1852 se traslada a Barcelona donde empezaría su formación seria en el taller del escultor Domingo Talam, que viendo el talento que tenía su joven alumno no solo le proporciona una pequeña pensión donde instalarse si no que le consigue matricularse gratuitamente en la Escuela de Bellas Artes de la LLotja, sus maestros en ese momento fueron Pablo Milá y Fontanals, Luis Rigalt y Claudio Lorenzale.

        Según las circunstancias viajo en varias ocasiones, la primera a Roma en 1858 con una beca de la Diputación de Barcelona donde conoció no solo a colegas españoles como Eduardo Rosales, si no que contactó con varios artistas italianos entre ellos Attilio Simonetti volviéndose su discípulo y amigo.

        Cuando estalló la guerra de España contra Marruecos le enviaron allí para que ejerciera de corresponsal gráfico, allí se integraría como pintor en el regimiento del general Juan Prim,  a Fortuny le resultó fascinante Africa descubriendo sus luces sus paisajes, de forma que se sintió muy atraído por todo aquello.

        Regresó a Roma y por esa época pintó una de sus obras más importantes " La vicaría " que muchos la identifican con la vicaría de la priorial de Sant Pere de Reus.



 La vicaría - 1870

            Igualmente se desplazó a París donde tuvo ocasión de admirar las pinturas del Louvre y del Museo de Luxemburgo, interesándose en varios pintores pero muy especialmente en Eugéne Delacroix, esto ocurrió en 1870.

            Tendría tiempo de viajar brevemente a Londres y Nápoles, aunque él se instaló definitivamente en Granada hacia 1868 donde pintaría varias de sus obras.  Posteriormente viajó a Roma donde por desgracia falleció un 21 de noviembre.

            Después de su muerte todos los objetos y cuadros que tenía el artista en su estudio, fueron subastados en el Hotel Drouot de París, alcanzando precios desproporcionados para su época.

             A pesar de abandonar tan joven la vida su estilo y su obra lo identidica como un autentico genio que marcó la linea a seguir a toda una generación de pintores europeos y seguramente de haber seguido vivo hubiera revolucionado la pintura española, como se puede apreciar en el cuadro " Desnudo en la playa de Portici ".


Desnudo en la playa de Portici - 1874

            Mariano Fortuny ha sido homenajeado en diversas ocasiones dándole su nombre a diferentes sitios desde una plaza hasta un teatro.


Viejo desnudo al sol - 1862
La batalla de Tetuan - 1863
Aficionada a las estampas - 1865
Gitana - 1870/1872
Cecilia embarazada - 1868
Eclesiástic - 1874
Jinete arabe - 1867
Patio de la Alhambra - 1873
Ramón Berenguer III clavando la enseñera - 1856/1857
La escalera de la casa de Pilatos en Sevilla - 1870
Retrato del pintor Joaquin Agrassot - 1864

      
 

sábado, 18 de junio de 2011

ANTONIO MARIA ESQUIVEL


AUTORRETRATO - 1847

            Pintor español que se caracterizó por su apreciable técnica de destacado detallismo, se especializó en temas románticos y retratos.

             ANTONIO MARÍA ESQUIVEL Y SUÁREZ DE URBINA nació en Sevilla en 1806 y fallecía en Madrid el 9 de Abril de 1857,  empezaría su formación de pintura en la Academia de Bellas Artes de Sevilla donde aprenderá la técnica pictórica y el detallista al estilo mas puro de Murillo.

             En 1831 se trasladaría a Madrid donde concurso en la Academia de San Fernando le nombraron académico de mérito, posteriormente dio clases de Anatomía  en el Liceo Artistico y Literario para que después de un tiempo también las clases las impartiría en la Academia de San Fernando.

            En 1839 ya en Sevilla sufrió la mala suerte de coger una enfermedad que le dejaría prácticamente ciego, esta situación le llevó a sumirse en una depresión muy importante hasta tal extremo, que intentó suicidarse arrojándose al río Guadalquivir sin conseguirlo.

            Cuando sus compañeros y amigos tanto poetas como pintores se enteraron de la situación que Antonio María padecía, se pusieron en marcha para ayudarle de manera que sufragaron todos los gastos necesarios para que acudiera a un prestigioso oftalmólogo francés, con el tratamiento que le implantó en 1840 sanó y recuperó la vista de nuevo.

             Antonio María como agradecimiento a sus compañeros y amigos los pintó a todos en un cuadro que mas tarde sería una obra suya muy celebre, titulada " Los poetas contemporáneos "


Los poetas contemporáneos - 1846
             Este artista después de lo que pasó siguió trabajando llegando a cotas de importancia muy altas por su obra, de manera que recibiría reconocimientos oficiales como Placa de Cadiz, Cruz de Comendador de la Orden de Isabel la Católica para que en 1843 fuera nombrado Pintor de Cámara y en 1847 académico de la la Escuela de San Fernando.

             Como además era un teórico de la pintura, redactó un Tratado de Anatomía Pictórica que en la actualidad se conserva en el Museo del Prado de Madrid.


Venus anadiomeme - 1838
Doña Josefa García Solís - 1852
Carlos Pomar Margrand - 1851
Juan Ruiz de Apocada - 1834
José y la mujer de Putifar - 1854
Juan Prim
Luisa de Borbon - 1834
Retrato de una dama - 1850
General Baldomero Espartero