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domingo, 12 de enero de 2014

ROGIER VAN DER WEYDEN

ROGIER VAN DER WEYDEN - Cornelis Cort 1572



      Nace en Tournai, Bélgica en el año 1400 y dejaría la vida en el 18 de junio de 1464 en Bruselas, Bélgica, con una edad de 64 años.

      ROGIER VAN DER WEYNE fue un pintor flamenco innovador dentro de su género y cuyo nombre verdadero era Roger de la Pasture y cuyo apellido al traducirse al flamenco se convirtió en Weyner.

       Fue un pintor flamenco dentro de los grandes maestros de Flandes y con mayor proyección internacional, sin embargo con el paso del tiempo su figura resulta problemática estudiarla,  porque sus datos al respecto de él resultan confusos.

      La causa fue que sus fuentes de archivo fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial aunque se había transcrito en parte con anterioridad.

     La familia Pasture se instaló en la ciudad de Tournai donde el padre era fabricante de cuchillos para, posteriormente él se traslada a la ciudad de Bruselas sobre 1435,  fue en ese momento en el que empezó a cambiar el nombre convirtiéndose en van der WEYDEN.


        Empezaremos por su formación, que de alguna manera todos coinciden en que la realizó en el taller de Robert Campin a la edad de 27 años, y su duración fue de cinco años.

         Sus primeros trabajos anteriores a 1430, llamémoslos de supervivencia, fueron obras religiosas y algo de retratos y donde se pueden apreciar cierta influencia de su maestro Campin aunque dotadas de mayor dramatismo y color.

        Aunque la mayoría de sus lienzos son religiosos también cultivo el retrato donde se preocupó en reproducir de sus modelos la belleza sobe todo la femenina, a través de las lineas de composición y destacando con maestría sus vestidos, consiguiendo mucha realidad sobre todo en la textura y definición de los pliegues.

         Siguiendo con los retratos la mayoría de encargo, destaca por halagar a los modelos, suavizando sus rasgos faciales, definiendo muy bien sus rasgos y definiendo muy bien los contornos e incluso falseando a veces rasgos que el modelo no presentada, todo esto para beneficiarlo en cuanto a belleza.

         En cuanto a su paleta hay que decir que utilizaba una amplia gama de colores y tonos diferentes, tanto es así que en una obra no utilizaba el mismo color y tono dos veces, incluso los blancos eran variados.

         WEYDEN creó su propio taller en Bruselas teniendo a sus ordenes numerosos ayudantes, pronto tubo una buena acogida y fama internacional. llegando encargos de Italia y España de Felipe Bueno entre otros y también de la nobleza flamenca llegando incluso a eclipsar en popularidad a Jan van Eyck.

         La obra mas conocida y una de las primeras fue " El Descendimiento " en el cual se puede apreciar todas las características y estilo de WEYDEN, que  hace inconfundibles todas sus obras, se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, donde podemos admirar esta maravilla.


El Descendimiento - 1436

         Su estilo influyó en muchas pintores de la época y se daba la circunstancia de que no firmaba sus obras, tan solo hay constancia de que lo hizo en los cuatro paneles dedicados a la justicia, que se encontraban en Bruselas y que se perdieron en los bombardeos de 1945, da la casualidad que en Berna existen unos tapices que son representaciones de esos paneles.

        A todo esto hay que sumarle que como sus obras tenían tanto éxito fueron reproducidas e infinidad de ocasiones, todo esto influye a la hora de establecer las autorías de las obras.



Retrato de una dama - 1460
Nicolas Rolin - 1443
Gran calvario - 1460
Poliptico del Juicio Final - 1445

Lamentación sobre Cristo muerto - 1460
Retrato de una mujer joven - 1430
San Ivo - 1450
Detalle del Descendimiento
Diptico
Retrato de Philip the Good


            La influencia del estilo de WEYDEN fue valido para transportar la pintura flamenca a toda Europa, saliendo pintores de la próxima generación que dependerían de su estilo, en definitiva tratamos a uno de los pintores mas influyentes del siglo XV europeo.






viernes, 3 de enero de 2014

MATTHIAS GUNEWALD

MATTHIAS GRÜNEWALD

       Se trata de un pintor alemán de temática religiosa que nació en Würsburg0o, Alemania hacia 1470 y fallecía un 31 de agosto de 1528 ó 1526 en Halle, aunque de su vida y de sus datos poco se ha conocido incluso hasta 1920 no se descubriría su verdadero nombre.

       Su verdadero nombre fue Mathis Gothar Meithardt, aunque a veces se referían a él como " Maestro Mathis " o " Mathis el pintor ", lo que si está contrastado es que su trabajo pictórico lo desarrollo en la ciudad de Aschaffenburg.

       También se sabe que sus obras las firmaba de diferentes manera, concretamente cuando se casó en 1519 firmaba con su nombre completo añadiéndole el apellido de su mujer que era Naithart, tambien utilizada un monograma con las letras M,G yN.

        Es verdad que no se sabe como y cuando realizó la formación tanto de pintura como la de ingeniaría, pues ademas de pintor era ingeniero hidráulico y si dicen los expertos que por sus primeras obras se puede deducir la clara influencia que tenía de las obras de Holbein el Viejo.

        Centrado un poco el personaje diremos en cuanto a su pintura se refiere, trabajaba con unos colores sin ningún antecedente en el arte germánico, que junto con las composiciones realizadas con un trazo muy profundo destacada en el tratamiento de la luz que aplicada, con todo esto producía gran impacto en el espectador.

         Las obras de MATTHIAS contrastaban con la obra de su contemporáneo Alberto Durero, aunque se daba el caso que sus obras en principio se las atribuían a Durero, cuando este último esta demostrado que es la antitesis estilística si se compara con la de  MATTHIAS.

       
Poliptitico de Isenheim - 1510/1515 ( Cerrado )

Isenheim - 1510/1515 ( Abierto )
Isenheim, Colmar Francia



             Sus obras gran parte de ella se perdieron en el mar Báltico ya que se transportaron como botín de guerra, aunque se conservan 10 pinturas, tablas y treinta y cinco dibujos, todos como ya hemos dicho al principio de temática religiosa, no en vano fue artista de la corte de Uriel von Gemmingen, arzobispo de Maguncia y del siguiente arzobispo Alberto de Brandenburgo.

             En 1526 se traslado a Frankfurt como consecuencia de ser simpatizante del movimiento protestante, para un año mudarse a Halle donde fallecería en esa ciudad.



Cristo con la cruz - 1523/1524
La Crucifixión detalle
El panel de Coburgo - cerca de 1500

Heller Altar - 1507/1509
Aschhenburger Altar - 1517/1519
Un Apóstol de la Transfiguración 1
Detalle ( Isenheim )
Detalle ( La Crucifixión


           MATTHIAS GUMEWALD representa junto a Alberto Durero la máxima expresión del renacimiento del norte de Europa, lástima que no se conoce mas de su vida,




     

miércoles, 1 de enero de 2014

LAS CINCO VERSIONES DEL LIENZO " NAPOLEON CRUZANDO LOS ALPES "


JACQUES-LOUIS DAVID - 1748 - 1825
     
             El autor de los cuadros " NAPOLEÓN CRUZANDO LOS ALPES " era  JACQUES-LOUIS DAVID pintor oficial de Napoleón, pues era un artista que Napoleón estaba encantado con su trabajo y por diferentes causas y encargos realizó las cinco versiones aunque con  pequeñas diferencias que trataremos en esta entrada.

             La historia de las diferentes versiones empieza cuando el Rey de España Carlos IV recibió entre otros regalos que le mandó Napoleón, a consecuencia de su relación con España como Primer Cónsul, unas pistolas hechas en Versalles y Carlos IV le devolvió el detalle con otra serie de regalos entre los cuales figuraba un retrato de Napoleón que se lo iba a encargar posteriormente a JACQUES- LOUIS DAVID

            La intención era que ese retrato seria colgado en el Palacio Real de Madrid como símbolo de las buenas relaciones que se manejaban en aquel momento entre los dos, Napoleón al enterarse de esta circunstancia y que se trataba de su David le encargó él personalmente, otras tres versiones destinadas al Palacio de Saint-Clou, la biblioteca de los Inválidos y la tercera para el palacio de la República Cisalpina de Milan.

            El cuadro de que hablamos representa a Napoleón Bonaparte montado a caballo con una gran capa, uniforme de general en jefe y su sable de estilo nibelungo, además estaba tocado con un bicornio de ribetes de oro, lo curioso es que David lo realizó sin disponer de que posara para tal lienzo, ya que Napoleón se negó rotundamente entre otras cosas porque no le gustaba nada posar, además porque tenía la creencia que que las pinturas tenían que ser una representación del carácter del personaje y no por su parecido físico.

            A partir de esta situación David tubo que apañarselas como pudo y como lo hizo, pues a través de un busto del general sacó los rasgos y el resto con la colaboración de su hijo que termino posando montado a caballo, lo demás fue destreza composición y arte de lo que David le sobraba, por eso era su pintor preferido.

            Las versiones fueron realizadas entre los años 1800 y 1805 todos ellos al óleo sobre lienzo y muestran una versión del cruce de los Alpes por Napoleón y su ejercito en 1800, que no tiene nada que ver con la autenticidad de como fue el hecho en realidad.



NAPOLEON CRUZANDO LOS ALPES

               Permaneció en Madrid hasta 1812 y después fue pasando de diversos herederos hasta que en 1949 fue legado al Castillo de Malmaison.


NAPOLEON CRUZANDO LOS ALPES

           Esta versión de 1801 creada para el Castillo de Saint-Cloud, fue llevada por soldados prusianos y ofrecida al Rey de Prusia, hoy se encuentra en el Palacio de Charlotteburg en la ciudad de Berlin.


NAPOLEON CRUZANDO LOS ALPES

           Copia de 1802 en principio destinada a la Biblioteca de los Invalidos se llevó a un almacén hasta 1837 que se dió la orden de colgarla en el Palacio de Versalles donde actualmente se encuentra.



NAPOLEON CRUZANDO LOS ALPES

              Versión de 1803 que fue trasladada a Milan donde permanecería hasta 1825 para finalmente instalarla en Beldevere concretamente en Viena donde se encuentra actualmente.


         
NAPOLEÓN CRUZANDO LOS ALPES
     
             Este lienzo fue el que conservo David para él hasta su muerte en 1825, para en 1850 fuera ofrecido a Napoleón III por la hija del pintor, este lo instaló en el Palacio de las Tullerias, para en 1979 pasarlo al Palacio de Versalles.


            Todas las versiones tienen sus diferencias que se aprecian comparando todas a la vez y se pueden ver por los distintos tonos de color aplicados el los caballos, el las capas, en los cuellos de la guerrera, los correajes del caballo y principalmente en las expresiones de Napoleón que en cada una son diferentes, así como los fondos. 


            Igualmente David empleo diferentes firmas en los lienzos así como hay versiones que están sin fechar, en definitiva todo esto es lógico primero partiendo de como las hizo, segundo porque no se pueden repetir mezclas de colores exactas de un cuadro a otro y tercero porque las realizó sin el original delante de referencia, ha esto le sumamos que tubo ayudas de otros pintores los resultados son los que resultaron. Ahora estas circunstancias no resta nada a definirlas como joyas de la pintura en definitiva obras de arte realizadas por un maestro que era JACQUES-LOUIS DAVID.






viernes, 15 de noviembre de 2013

MUSICA Y SUS INSTRUMENTOS EN LA PINTURA

             Muchas de las obras de los grandes maestros incluían en sus composiciones objetos relacionados con la música como partituras e instrumentos de la época, unos por mera estética, otros porque los modelos eran músicos y los representaban en su medio o bien por diferentes causas que en unos casos se conocen y en otras se deja a la interpretación de los expertos en arte.

            La cuestión es que verdaderamente sitúan de alguna manera el momento que vivía la música en cada época, igualmente los instrumentos que se utilizaban para interpretarla, no cabe duda que de alguna manera analizando estas obras te informan, sobre todo a los entendidos de música, de los pormenores que se manejaban en cada tiempo.


Los cinco sentidos - Abraham Bosse - 1635

             Lo que si he podido leer y documentarme es que hay varios estudios donde se dice que la pintura y el sonido van muy ligados, no en vano Kandinsky decía que un cuadro debe estar compuesto como una sinfonía y se tiene que percibir como una sinfonía uniendo los sentidos y los colores, como complemento a esto se puede decir que Henri Lagresille hizo un proyecto que se termino llamando " Método de Lagresille " en su honor, por el cual se trataba de de traducir obras maestras de la música clásica en cuadros de color, asignando equivalentes de estos a ciertos acordes y movimientos, de forma que el resultado fuera un mosaico multicolor.


Composición VIII - Kandinsky

               Ademas tenemos que tener en cuenta que algunos artistas eran a su vez tocaba algún instrumento y compaginaban el arte de la pintura con el de la música, por ejemplo Leonardo da Vinci tocaba la lira, Henri Matisse y el propio Kandinsky tocaban el violín, así que se puede pensar que alguna influencia tendrían a la hora de pintar su cuadros, trasladándonos a los tiempos que vivimos la mayoría de los pintores de hoy escuchan música mientras pintan.


La musica - Matisse - 1939

              También podemos pensar puesto que hay evidencias, de que el artista plasmaba en sus lienzos partituras totalmente legibles, con el fin de dejar música escrita y para que en un futuro fueran interpretables, de hecho se han dado casos que músicos que bastante después han tocado esas partituras, también podía ser de que dichas hojas escritas con notas musicales de alguna obra en concreto, sirvieran como vehículo para llevar y situar al espectador de la pintura a un escenario y situación concreta.


Fantasía sobre Fausto- Mariano Fortuny - 1866

                Esta circunstancia de que se reflejara en los lienzos todo tipo de instrumentos musicales acordes a cada época, igualmente han permitido estudiarlos, identificarlos e incluso poderlos fábricar ya que muchos de ellos se han extinguido con el paso tiempo como es lógico y de esta manera han podido escuchar como sonaban y como se utilizaban.


Una señora joven asentada en un virginal circa - Jan Vermeer - 1670

           
                    Tampoco podemos descartar que ha habido muchos pintores que han utilizado este tipo de objetos como motivos plásticos por sus bellas lineas y sin pretensiones algunas de inducir al espectador a ninguna sugerencia de cara a la música, si no que lo que pretendían era embellecer y armonizar sus composiciones.

                    La realidad es que cuando los maestros han representado en su obra con la maestría que los ha caracterizado bien las partituras o bien los instrumento, unos por un motivo y otros por razones diferentes  los resultados han sido excelentes, dejando claro en la mayoría de los casos de una manera u otra, la música y la pintura están muy relacionadas.


El oído - Pedro Pablo Rubens y Jan Bueghel " el viejo - 1618
Felix Antonio Máximo López - Vicente López Portaña
Los músicos - Caravaggio - 1595
Charles Mouton - François de Troy - 1690
    





















La Barre y otros músicos - Andre Bouys
Detalle de " The Mathias Famili - Francesco Barbieri
Retrato de Johann Schenk - Constantin Netscher
Naturaleza muerta con instrumentos - Cornelius de Heem
Instrumentos musicales - Oddino Gagliardi
Los tres músicos - Pablo Ruiz Picasso - 1921