JOHANNES VERMEER

Vermeer de espaldas al espectador

             JOHANNES VERMEER VAN DELFT pintor holandés quizas el mas importante del siglo XVII  después de Rembrandt, fue bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632 y falleció el 15 de diciembre de 1675 con 43 años.

             Llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer, también Joannis van der Meer ó Jan ver Meer, pero de cualquier manera que le llamasen fue el mas reconocido del arte barroco, vivió en la Edad de Oro neerlandesa donde hubo un magnifico florecimiento de la política, de la economía y cultural.

            Poca información se conoce de la vida de VERMEER que sea segura, muchos de los datos son deducciones y sobre su formación se supone que fuera alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucha aceptación por las diferencias de estilos.

            Lo que si es cierto es que se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653, para ello tuvo que realizar una amplia formación de seis años para conseguir el titulo de maestro, pues en ese gremio solo admitían a mestros, terminaría dirigiéndolo en dos ocasiones.

            Solo salió de su su residencia una sola vez y fue para acudir a un pleito como testigo, se cree que nunca se dedicó profesionalmente a la pintura, sino que se dedicó al negocio que heredó de su padre que era el de marchante de arte y que solo se dedicaba a pintar para mecenas que se lo demandaban.

            Se casó con Caterina Bolnes en 1653 y fruto de esa union nacieron 11 hijos, naturalmente las necesidades económicas que suponía tal familia numerosa no le permitió gozar de suficiente desahogo de dinero ni de tiempo, esto lo demuestra que un año después de su fallecimiento la esposa fue declarada insolvente.

           Pero después de contar un poco sobre su vida pasemos a su pintura que como ya he comentado esta considerada referente de calidad en en siglo XVIII, podemos decir que pintaba por puro placer y casi toda sus obras se basaban en escenas de interiores, pintó algunos paisajes y la mayoría trabajos que le encargaba los grandes señores de la época, los mecenas.

           Su calidad y perfección en la composición de perspectivas hace suponer que utilizada una cámara oscura para sus trabajos, pero esto no resta un ápice a su meticulosiodad y buen hacer en sus pinturas.

           Dentro las escenas de interior la mayoría de sus composiciones eran de mujeres y todas de diferentes edades lo cual hace sospechar que se tratan de sus hijas, ademas de que a estos cuadros le gustaba dotarlos de elementos que facilitaban mucho la representación de la acción, como instrumentos musicales y enseres de hogar y todo esto con una rigurosidad asombrosa.

           También hizo incursiones en representar a las ciencias, el ejemplo lo tenemos en su obra " El Geografo " pintado entre 1668 y 1669  así como " El astronomo " dentro de la misma linea, ademas de hacer alusión en otras de sus obras de elementos como mapas que en la epoca eran signo de riqueza.

El geógrafo

El astrónomo

              La obra completa de VERMEER es muy reducida solo se conocen de él 33 a 35 cuadros, esto pudo deberse como he comentado a que pintaba mas por encargo que para el mercado del arte, aunque hay una cantidad de cuadros que han existido y que se tienen conocimiento de ellos a traves de registros de subastas antiguas, actualmente desaparecidos.

              Sus cuadros mas famosos " La joven de la perla " pintada en 1665 " y "Vista de Delft " de 1661 ".

La joven de la perla

Vista de Delft

            Su éxito comercial como ya hemos dicho fue a traves de mecenas que compraron la mayoría de sus cuadros de hecho una importante colección estaba en poder de Jacob Dissius y su esposa Magdalena van Ruijven, eran dueños de una imprenta y según un inventario realizado en 1682 eran poseedores de 19 cuadros de VERMEER.
         
           Como curiosidad comentaré que Salvador Dalí la obra de VERMEER le supuso una importante influencia, de hecho pintó obras relacionadas con pinturas de VERMEER como " Masquerader " o " Espectro de Vermeer de Delft " y alguna más, Dalí de niño estaba fascinado por una reproducción de "  La Encajera  "que colgaba del despacho de su padre, le asombraban notablemente los encajes del cuadro.

            No cabe duda de que Dalí admirada a VERMEER tanto que llego a comparar La encajera con la Capilla Sixtina y lo justificó diciendo textualmente :


             "  Miguel Angel con su Juicio Final no es mas extraordinario que Vermeer van Delft con su encajera en el Louvre, de tamaño un palmo cuadrado. Cuando se tienen en cuenta las dimensiones plásticas, se puede afirmar que La encajera es extraordinaria frente a la Capilla Sixtina "

La encajera

         
           
           En 1675 VERMEER enfermo y por desgracia murió a los pocos dias concretamente el 30 de abril y fue enterrado en el sepulcro familiar de la Iglesia Vieja en Delft.

Militar y muchacha riendo - 1658

Dama con dos caballeros - 1659 1660

La tasadora de perlas 1665

La lección de música - 1662

Una dama que escribe una carta y su sirvienta - 1670

Una dama tocando la guitarra - 1670/1672

Mujer sentada tocando la espineta - 1675

Mujer sentada en el Virginals - 1670

Dama y el Virginals con un caballero - 1662/1665

El concierto - 1664

   
        VERMEER fue olvidado tras su muerte y no se le reedescubrió hasta el siglo XIX a partir de entonces su reputación y el reconocimiento como maestro ha crecido constantemente, hoy se le considera como uno de los mas grandes pintores holandeses.

ATAQUES A LA PINTURA

          A lo largo de la Historia los grandes Maestros de la Pintura no se han librado de los ataques a alguna de sus obras maestras, ¿ porque ? pues porque en todos los tiempos hay y habrá personas que por diferentes, motivos disfrutan con estos hechos vandálicos,

          Cada una de las diferentes causas, teniendo en cuenta que obras de arte tienen un poder de comunicación muy poderoso y cada uno las interpretamos de diferentes maneras, es ahí donde interviene  los motivos que pueden ir desde políticos, sexuales, placer, notoriedad, hasta que intervenga la casualidad.

           Pero yo creo que detrás de todos estos motivos siempre hay claramente una mente perturbada u obsesionada por alguna causa que para esa mente es lo primero, destruir o atacar algo que e lo que se ve identificada y que en este caso se trata de un cuadro, no olvidemos que la mayoría de las veces cuando contemplamos una obra parece real, y ello nos puede llevar a fantasías de cualquier tipo.

          Se da el caso que en algunas de estas obras que a posteriori han sido restauradas, se tiene miedo de volver a exponerla por si volviera a ocurrir lo mismos, claro que en otros muchos han optado por protegerlas con grandes medidas de seguridad, tenemos el caso del cuadro mas famoso del mundo, que después de sufrir agresión la han protegido por los cuatro costados.

          Emblema del Louvre la " GIOCONDA "goza de un sistema de seguridad muy particular de vigilancia, ademas de que la obra está protegida con una urna de cristal blindado, que la protege incluso de disparos con armas de fuego, pero claro no se pueden proteger todas las obras de arte del mundo que son unas cuantas, ni todos los museos y gobiernos pueden invertir en el coste de este proyecto.

          Yo haría una consideración y es que es verdad que de esta manera la obra en cuestión pierde uno de sus principales atractivos, que no es otro que  verla al natural y disfrutar y apreciar de sus características como la textura, la pincelada etc.,etc., hablo con conocimiento pues la GIOCONDA he tenido la suerte de verla con urna y sin urna y no tiene ni punto de comparación.

Lo que hablaba anteriormente " Reflejos por todos los lados "

Como se expone la copia del Museo De Prado en el Louvre ........mas normal ¿ no ?

           
             Es una pena que por culpa de energúmenos paguemos las consecuencias el resto, bueno os contaré algunos casos que han ocurrido con estos temas, aunque algunos ya los conoceréis pues han salido en todos los periódicos.



MUSEO RIJKSMUSEUM EN AMSNTERDAM :


              Se encuentra la obra de arte " La ronda de noche " de Rembrandt la pintó en 1642, este cuadro sufrió un ataque en 1900 cuando un cocinero intentó destruirla con un cuchillo, posteriormente en 1975 otro personaje la razgó en zigzag y en 1990 un grupo de manifestantes arrojó acido encima de la tela.

              Su valor actual es de 925 mil dólares.

  NATIONAL GALLERY DE LONDRES :


               May Richardon atacó a cuchilladas la " Venus del Espejo " de Velázquez en 1914, lo hizo por protestar contra el encarcelamiento de Emily Pankhurst activista política.

      ALTE PINAKOTHEK DE MUNICH :

 
                    Un asaltante en 1959 lanzó un chorro de acido en gran parte de la superficie del cuadro " Caída de los condenados " de Rubens, cuando le prendieron dijo que no estaba loco pero que tenia un mensaje para la humanidad, quería asustarla porque solo estaba interesada en la televisión.

      HERMITAGE DE SAN PETERSBURGO :


                      Se trata del cuadro de " Danae " de Rembrandt .

                      En verano de 1985 se ensaño con el vientre de la imagen, utilizando un arma blanca y luego roció con chorros de ácido a modo de eyaculación, se desconoce porque lo hizo.

                      La obra se retiró en 1985 para su restauración y no volvió a salir al museo hasta 1997.

        METROPOLITAN DE NUEVA YORK :


                     A principios de 2010 una visitante del museo tuvo la fatalidad de tropezar mientras miraba el cuadro de " El actor " de Pablo Picasso, que pintó hace unos 100 años y caer encima de él.

                     Esta obra está valorada en 130 millones de dólares.

       
             Las propias obras de arte no son motivo de nada de cara a provocar este tipo de actos, son determinadas personas que ejecutan actos vandálicos aislados por fortuna, sin justificación alguna y que son rechazados por la sociedad tiren por donde tiren.

             Esperemos sigan siendo casos aislados, eso nos permitirá seguir admirando y disfrutando de las obras de los grandes Maestros al natural, sin barreras de seguridad.

ANALISIS DE " LA ULTIMA CENA " - LEONARDO DA VINCI

LA ULTIMA CENA

       Este es un mural que se ha hablado de él hasta la saciedad, dado que una de las grande obras de LEONARDO DA VINCI  y como todo lo relacionado con él se estudia, se critica o se alaba, esta como es una de las mejores por no decir la mejor, no iba a ser menos.

       Todo esto a llevado a hablar mucho de esta obra por expertos y no expertos hasta tal punto, que ha habido muchas cosas que han sido falsa y en algunos de los casos inventadas, con el propósito de llevarlas a un primer plano de la actualidad o con el fin de dar misterio al asunto.

 
     Un ejemplo de ello es que se dice que hay una mano que sostiene una daga y en torno a este detalle se ha hablado mucho, con diferentes explicaciones, sin embargo los dibujos preliminares y las copias demuestran que pertenecen a Pedro, como una referencia al pasaje de cuando Pedro saca la espada en defensa de Jesús.

   
   

   Todos sabemos que tocante a LEONARDO comporta un halo de misterio y atrevimiento en todo lo que hacia, por ejemplo en el trabajo este se retrato él mismo pues no olvidemos que utilizaba personas reales como modelos y claro porque no se iba a incluir en su obra.

            Es el segundo empezando por la derecha.



 

          También es cierto que el mural ha pasado por diferentes etapas a lo largo de la historia que han  colaborado a su deterioro :

           *  Varias inundaciones ocurridas en Milan.
           *  La construcción de una puerta en la sala en 1652, corto los pies a varios de los personajes.
           *  El ejército francés utilizó el lugar como establos en 1797.
           *  El paso del tiempo y la mala aplicación de materiales por parte de LEONARDO, al realizar la obra.

           Sobre este último apunte es sabido que el maestro renunció a la consolidada técnica del fresco y decidió aplicar el color directamente a la pared después de prepararla con dos manos de yeso, es así como consiguió una finura de ejecución que de otra manera no hubiera conseguido, pero el tiempo ha sentenciado que no fue un buen sistema.

           Y todo empezó cuando el Duque Ludovic el Moro se lo encargó para el refectorio del Convento de Santa María delle Grazie en Milán, la ejecuto entre 1494 y 1501 aproximadamente y sus medidas son 460 cm de alto por 880 cm de ancho.

       


    La escena representa el momento difícil y dramático que Jesus anuncia la traición de uno de sus discípulos, con la cara de estupor de todos ellos excepto Judas que permanece inmóvil, no gesticula ni realiza pregunta alguna.

       

          LEONARDO situó a los personajes en un mismo plano en grupos de a tres y abrió a sus espaldas un profundo fondo en perspectiva, cuando era costumbre situar esta escena con una pared al fondo.

         
   

       La reciente restauración del cenáculo ha hecho mucho mas legible los recuadros alineados a largo de la pared en perspectiva, se reconocen las imágenes de tapices flamencos floreados, colgados con muchos clavos.

          Se pueden apreciar sobre la mesa los bordados del mantel ademas de la vajilla, las jarras de agua y vino y las fuentes con la comida que era pato a la naranja.

   El techo artesonado indica la orientación de la luz y acompaña en resaltar la orientación del conjunto de perspectiva.




         
            Judas aquí aprieta con la mano el saquito de los treinta dinarios, el precio de la traición y casi empujado por el impetuoso Pedro, que tiene un cuchillo en la mano y mira a Jesús como para defenderlo.




         

 


      Al fondo un paisaje lombardo que se ve a través de las ventanas que al mismo tiempo filtran una luz cálida.

         








          El dedo indice de Tomas apunta hacia arriba el gesto es como de interrogación, también está presente en otras obras de Leonardo y en contextos totalmente diferentes.






       






          Quizas una de las mejores obras de todos los tiempos este mural de " LA ULTIMA CENA " de LEONARDO DA VINCI.

 


           LA ULTIMA CENA DESPUES DE SU RESTAURACIÓN.

IGNACIO ZULOAGA ZABALETA

AUTORRETRATO

       IGNACIO ZULOAGA ZABALETA nace en Eibar, País Vasco el 26 de julio de 1870 en el seno de una familia de artistas y fallece el 31 de octubre de 1945 en Madrid, esta considerado como uno de los mas importantes pintores españoles de finales del siglo XIX y principios de XX, se le conoce muy bien por sus retratos, sus composiciones costumbristas y su estilo es naturalista.

Daniel Zuloaga tio de Ignacio 

      Como comentaba, su padre Plácido Zuloaga fue un orfebre y damasquinador de fama internacional y junto a sus tres tíos Guillermo, German y Daniel fueron reputados ceramistas y en su casa y taller familiar, la torre medieval Kontadorekua, es donde se crió IGNACIO rodeado de obras de arte de todos los lugares del mundo y como tenía poco interés en estudiar se dedicó de lleno al dibujo desde niño, fue allí donde empezó a tomar los primeros conocimientos con el tema.

      Y como pasa siempre, una visita al museo del Prado fue el culpable de que tomara la decisión de dedicarse a la Pintura y salir a visitar países muy relacionados con este arte, claro que muy en contra de lo que opinaba el padre que quiso siempre que continuara el negocio familiar de damasquinados.

Firma

 

    Su estilo naturalista de dibujo serio y con una paleta de colores obscuros, influido por Goya y Ribera ha sido conseguido que le consideraran el reverso del estilo luminosos y optimista de Sorolla.

       En 1887 tiene entonces 17 años, presenta en la Exposición Nacional de Madrid un lienzo titulado " Un sacerdote rezando en una habitación contigua " y a su vez se dedica a copiar en el Museo del Prado obras de Velazquez y el Greco a los que considerará junto con Zurbaran, Ribera y Goya sus verdaderos maestros.

      Visita Roma en 1889 donde estudia a fondo los maestros del renacimiento, pasa en esa ciudad mas de medio año, pinta " El forjador herido "y a continuación se traslada a París donde vive el barrio de Montmartre, barrio de pintores con los que llega a entablar amistad con varios como Degas, Gauguin, Toulouse-Lautrec, y los pintores catalanes que se encontraban allí como Santiago Ruisiñol.

      Enrique Lafuente Ferrari  historiador de Arte español diría de él:


               " Zuloaga extraía de sus motivos las máxima capacidad de expresión, magnificándolos hasta  un plano de verdadera grandeza artística y humana "


       Su vida en definitiva se caracterizo por sus frecuentes cambios de residencia, le a llevado a residir en Paris como ya he comentado, Segovia, Andalucia, Madrid y Zumaya, ¿ que le impulsaba a cambiar tanto ?....... pues la vida cotidiana de las personas, la tauromaquia y el flamenco.

        Expuso en numerosas ciudades europeas llegando hasta Nueva York y Buenos Aires, lo que consiguió dar a su obra una una resonancia mundial.

        Fue muy tenido en cuenta en el género del paisaje, dejó retratos muy importantes, buscando siempre la nota diferente y que mejor expresase el carácter del personaje, entre ellos se encuentran los realizados a Unamuno, Valle Inclán o Perez de Ayala.

        En 1899 contrae matrimonio con Valentine Dethomas la había conocido de su estancia en París, a su vez es hermana del también pintor Dethomas, a partir de ese momento la vida del pintor se vuelve mas ordenada, tiene estudio en Segovia donde pasa el otoño, los inviernos en París y el reto del año permanecería en su taller de Madrid.

       Es llamado en 1918 IGNACIO es llamado a Madrid para pintar el retrato del Duque de Alba, esta etapa la dedica plena al retrato llegando a pintar el de S.M. el Rey Alfonso XIII.

       Legaría su momento de abandonar la vida y la noche del 31 de octubre de 1945 fallece en su estudio de las Vistillas de Madrid, descansa en San Sebastian.

Museo de Ignacio Zuloaga 

        Tiene su propio Museo en Zumaia donde ademas de visita su estudio-taller.

Retrato del pintor Balenciaga

Torero

Vista de Segovia

Paisaje de Navarra

Maja reclinable con azul y oro

Desnudo con mantilla y clavel

Condesa Mathieu de Noailles

Mantilla

La gran coquito en su camerino

        Al ser una de las figuras de la pintura española ha sido reflejado en la moneda española de antes, concretamente en los billete de 500 pesetas.

       Tiene bustos y estatuas de su persona por varios lugares de España, que de alguna manera certifican la importancia que ha tenido este pintor español.

     IGNACIO ZULOAGA ZABALETA es uno de los importantes pintores de éste país y por tanto solo he destacado de su biografía lo que he creído mas relevante, naturalmente completa es mucho mas amplia e interesante y durante su vida tiene muchos mas momentos a resaltar que los que yo he escogido, lamento no poder contarla completa pues muy uno de los grandes españoles.